Uno puede entender cómo el genio de Da Vinci anticipó las tendencias más importantes en el arte de los siglos XIX y XX

En su libro "El cerebro Leonardo" MD Leonard Schlein tratando de comprender el fenómeno de la exclusividad de Leonardo da Vinci y entender cómo se las arregló para lograr el desarrollo intelectual y creativo de esta escala. Publicamos un capítulo en el que los investigadores compararon el arte de da Vinci con las obras de los impresionistas, abstractos y artistas contemporáneos.


El primero que planteó la idea de Leonardo después del período de casi 500 años, durante los cuales los artistas están sujetos a estrictas reglas de la perspectiva, la composición y la elección de los sujetos y objetos de la imagen, fue Edouard Manet. Manet estaba en la vanguardia de una nueva generación de artistas que han recibido sus habilidades fuera de la Academia Francesa de Bellas Artes influyente.
En 1859, el artista de 27 años de edad, de pie delante de sus pinturas y destruyó todo lo que logró crear en este punto. amigos aturdidos, dijo: "De ahora en adelante voy a pertenecer a su tiempo y sólo trabajar con lo que veo." Sin embargo, sus nuevas obras fueron muy bien recibidos. La mayoría de los críticos, con algunas excepciones, hablaron fuertemente a ellos, llamando fea y torpe.
En Francia, mientras que el éxito de la artista dependía en gran medida de si era posible recibir de manos de los venerables ancianos de barba gris de la Academia, incluido en el jurado del Salón anual de París, acariciado la oportunidad de presentar su trabajo en este evento público muy esperado.
Los cambios que ya están en el aire, y muchos artistas jóvenes han criticado abiertamente el proceso de selección, a sabiendas de que el jurado se opone firmemente a ellos. En 1863, indignado rechazos constantes grupo de artistas jóvenes organizaron una exposición demostrativa, llamado Salón de los Rechazados.
Manet le presentó algunas obras importantes, pero el lugar central fue tomada por su pintura "Desayuno sobre la hierba". Fue muy impactante pintura. Manet pintó su modelo favorito del concurso Meran con indiferencia sentado sobre una manta de picnic completamente desnudo, además descaradamente mirando al espectador. A su lado, dos hombres en trajes de negocios sobre algo de conversación.
Por otra parte, no sólo no ver una mujer desnuda al lado, pero ni siquiera se miran el uno al otro. Los críticos han llevado a una imagen de punta en blanco. La gente iba y se rieron de ella. A pesar de esto, el "Desayuno sobre la hierba" ha recogido el mayor número de espectadores y ha recibido una gran cantidad de comentarios en la prensa. Los críticos acusaron a la imagen que no es pintoresca, y no lleva ningún ideas morales, mitológicos, históricos o religiosos.
Entre otros pecados artísticos Mans y observado el incumplimiento de las normas de construcción de la perspectiva. En vista de las perspectivas resultó que el crecimiento de la distancia mujeres de baño debe ser de aproximadamente tres metros. Además de Manet costar demasiado libremente con la dirección de la fuente de luz y la posición de las sombras. Los críticos han atribuido esto a la falta de una educación clásica en la Academia de Bellas Artes, o la falta de talento.
Pero, de hecho, Manet fue un experto dibujante y conocía todos los detalles de la perspectiva de la imagen. Deliberadamente no las utilizó con el fin de atraer el interés en la imagen. Beber Mans distorsionada perspectivas tienen en común con Leonardo. Ambos artistas son muy conscientes de que los trucos ópticos pueden dar cuadro dramático. En este sentido, los dos artistas, cada uno en su tiempo, marcaron el inicio y el final de una era en la perspectiva del arte occidental.
Los libros sobre la historia del arte ha descrito en varias ocasiones el bombo alrededor de la "Desayuno sobre la hierba", pero pocas personas saben que Manet coloca el trabajo igualmente polémica en una pared cercana: "matador vestido señorita V." (1862). Los visitantes se fueron de una pared a la otra, y una comparación del mismo modelo en el desnudo y vestida de hombre, el más macho de todos los imaginables, mejora su apariencia. (Como veremos más adelante, la aceptación de la ambigüedad sexual explotado y Leonardo.)
Mans no fue suficiente: se hizo hincapié en los espectadores confusos, privando a su matadorshu bajo los pies de apoyo. Con base en el fondo, es el escenario de una corrida de toros, pero la imagen no puede ver dónde está la señorita. Parece que es casi flotando en el aire! Muchas pinturas
Manet representa una figura solitaria - y también con notas mínimas o contradictorias para el futuro ( "Piper", "Mujer con loro" y "torero muerto"). Al igual que en el caso de un retrato de matador femenino, mirar estas pinturas, el espectador no puede determinar exactamente lo que las posiciones relativas de las figuras de primer plano y de fondo.
La última imagen de Leonardo - "San Juan Bautista" (que será considerado en detalle en un capítulo posterior), completamente desprovisto de los antecedentes, no permite determinar dónde hay un santo. Después de Leonardo Manet no fueron los artistas, que representa una cifra sin fondo.


Edouard Manet, "la señorita C. Espada en un juego"; Leonardo da Vinci, "Juan el Bautista» Blog A principios de la década de 1870 la oportunidad de usar la pintura con ellos y la invención del caballete plegable dirigido por el artista francés Claude Monet a la idea de abandonar el estudio e ir en la naturaleza, para escribir sus sitios y paisajes al aire libre (de los franceses en plein air -. «Aire ​​libre "). Tal cambio en el ambiente de trabajo era verdaderamente revolucionaria.
En lugar de la planificación, el estudio, el trabajo en bocetos preparatorios y construir la pista en el estudio a menudo mal iluminado, Monet eligió trabajar en la naturaleza, tratando de capturar escenas y paisajes vistos en vivo. Monet trató de transmitir sobre lienzo breve momento de la primera impresión (fr. Impresión), por lo que los críticos han denominado a esta línea de impresionismo.
En siglos anteriores no eran artistas que han experimentado con esta técnica. Pero es dibujo paisaje de la Toscana, realizado por Leonardo da Vinci en el aire abierto en 1473, no puede ser considerada la primera obra impresionista en el arte occidental? Leonardo anticipa es un área importante en el final de la pintura del siglo XIX por tanto como cuatro cientos años.
Otro gigante de la época de finales de los pintores del siglo (fin de siglo) fue Paul Cezanne. A finales de 1880 comenzó una serie de naturalezas muertas que son marcadamente diferentes de lo que los artistas occidentales han hecho antes. El público y los críticos estaban de pie delante de sus pinturas, sin saber cómo "leer».
El problema era que estaban tratando de tratar la obra de Cézanne dentro de vistas restringidas, que se consideraban la norma durante cientos de años. Cada sujeto le gustaría composición de Cézanne mostró un ángulo diferente. En esencia Cezanne ofrece a los espectadores la oportunidad de mirar a una naturaleza muerta, al mismo tiempo desde diferentes ángulos. Tal extraña comprensión de las perspectivas reglas abrió el camino para los cambios más radicales.
En 1904, 22 años de edad, el artista español Pablo Picasso se trasladó a París, donde se asoció con otro joven pintor Georges Braque. Juntos se sacudió el mundo del arte desde sus cimientos con la invención de una nueva mirada a la pintura, renunciar por completo de todo lo que ha sido anteriormente.
Picasso resueltamente declaró: "Debemos destruir el arte moderno." crítico de arte Louis voxel condenó el nuevo estilo de Picasso y Braque y sarcasmo los llamó un montón de imágenes de "pequeños cubos". Por lo que el nombre de "cubismo". Aunque la mayoría de los críticos inicialmente fríos tomaron este estilo, el cubismo creado un gran revuelo en el mundo del arte.
Los críticos molestos, alternativamente, a continuación, se vierte el aceite de encontrar signos de cubismo, incluso en los primeros Cézanne, aunque nada de esto podría ser en las obras de los artistas anteriores. Una vez en el compartimiento del tren por un vecino le pregunté a Picasso por qué no atraer a la gente de tal manera "como se ven en la realidad." Picasso le preguntó qué quería decir con eso. En respuesta, el hombre mostró una fotografía y dijo: "Este es mi esposa." Picasso dijo: "¿Es tan pequeño y plano» Blog Probablemente, no esperando encontrar que había un determinado artista, anticipando el cubismo temprano como el Renacimiento, los críticos no se veía lejos en el pasado. Mientras tanto, Leonardo, como Cézanne, Picasso y Braque, sintió limitaciones de visión monocular inherentes en el uso de las perspectivas de las reglas.
Él estaba buscando maneras de mostrar la vista del mismo objeto al mismo tiempo con muchas partes. Necesitaba la mejor manera posible para mostrar la relación entre las partes que componen un todo. La necesidad de recurrir a una recepción de dicha óptica fue causado por la autopsia realizada anatómica Leonardo.
Fue el primer artista que ilustra ampliamente los órganos internos del cuerpo humano. Aunque estas cifras son sólo de carácter técnico en la naturaleza, no son en todos los estándares pueden ser consideradas obras maestras, y muchos críticos no dudaron así es como se les llama.
Leonardo inventó la vista en despiece ordenado un método de objeto, permitiendo de ese modo el problema de la reflexión simultánea de diversos aspectos de las características anatómicas y la posición relativa de las estructuras vecinas. Dibujó en la página una y la misma cosa un poco desde diferentes ángulos, para que el espectador podía imaginar que al mismo tiempo algunas de sus partes.
En los dibujos de Leonardo y pinturas cubistas de Picasso y Braque tienen similitudes inexplicables. En el núcleo de estas obras en el principio de que describa la verdadera naturaleza del objeto, o como se le llama en el budismo, por lo que es.
Esta línea de arte de Leonardo ya refleja sus intereses científicos, a diferencia de los cubistas, que aspiraban a la deformación artística de objetos familiares. Dibujos anatómicos de Leonardo, naturalezas muertas de Cézanne, pinturas cubistas de Picasso y Braque - todos estos fueron los intentos para retratar el mundo visible de un modo nuevo, liberado de los grilletes de poderosas perspectivas
. Sus hallazgos fueron maravillosos y revolucionario, y todos ellos se basan en el mismo principio. Durante muchos siglos después de Leonardo, hasta principios del siglo XX, nadie tiene este problema. Otra similitud entre las innovaciones que se refiere a Cézanne y Leonardo deseo de Cézanne para capturar la esencia de la sierra de Saint-Victoire, en Provenza.
Se dio cuenta de que al presentar la montaña con un solo ángulo, no se puede pasar como tal. A partir de 1890 y hasta su muerte en 1906, Cézanne creó una serie de vistas desde diferentes puntos de la montaña. La impresión de la unión de todas estas pinturas era permitir que el espectador tenga una visión holística de la montaña.
Ninguno de los artistas occidentales no han intentado demostrar de esta manera las diferentes partes de un mismo objeto. Nadie más que uno. Cuatro siglos antes, Leonardo se le ocurrió una manera de hacer tales. En su imagen anatómica que publicó imágenes sucesivas del mismo hombro en diferentes ángulos.


Paul Cézanne, "Montagne Sainte-Victoire» Blog El artista Wassily Kandinsky, que nació en Rusia y vivió en Europa, propone un nuevo enfoque, que se ha convertido en un líder en el arte del siglo XX. Su descubrimiento, como sucede a menudo en el arte, en la ciencia, se vio obligado a una ocasión feliz, pero el avance, lo que siguió, fue preparado para que la gente estaba dispuesta a mirar el mundo de una manera nueva.
En 1910, mientras trabajaba solo en su estudio, Kandinsky estaba tratando desesperadamente de hacer un zoom en el lienzo con la imagen que tenía en su cabeza. Por último, frustrado, decidió tomar un descanso e ir a dar un paseo. Ninguna razón en particular, antes de salir de él puso la imagen de lado.


Wassily Kandinsky, "cruzar la línea» Blog Volviendo después, Kandinsky, sumido en sus pensamientos sobre un tema ajeno permanecía en la puerta del estudio y mirando hacia arriba, vio su trabajo sin terminar. Por un momento se quedó allí, desconcertado, no reconoció la imagen. Entonces recordó que antes de salir de él le dio vuelta en 90 °.
Sobre la reflexión, Kandinsky comprendió que fascinó a su condición cuando él era incapaz de comprender lo que se representa en la imagen. Experimentó con un paño, luego colocarlo correctamente, el pago por el lado. Kandinsky, finalmente llegó a la conclusión de que la imagen se vuelve más interesante cuando no supuso una imagen familiar. Por lo que no era abstracta.
Leonardo estaba interesado en las características modelo abstracto. En su tratado sobre la pintura, que se publicó sólo en 1651, escribió sobre el método de la "mente del pintor incentivo para nuevas invenciones." Aconsejó a los artistas:
Es decir, si se tiene en cuenta las paredes manchadas, en diferentes puntos, o piedras de diferentes mezclas. Si tiene que inventar algún tipo de terreno, se puede ver que la similitud de los diferentes paisajes, adornados con montañas, ríos, rocas, árboles, extensas llanuras, valles y colinas de diversas maneras; Además, se puede ver que hay batalla diferente, movimientos rápidos de formas extrañas, expresiones faciales, ropa y un número infinito de cosas que se pueden llevar al conjunto y buena forma; con tales paredes y mezclas de la misma cosa sucede como con el sonido de campana - en ella se encuentra latidos cualquier nombre o palabra que usted se imagina
. Después de la Segunda Guerra Mundial los Estados Unidos se ha formado un nuevo tipo de artista abstracto. Jackson Pollock, el ideólogo y uno de los autores principales del expresionismo abstracto, se ha fijado el ambicioso objetivo: plasmar en el lienzo la esencia del proceso de creación de la pintura. El proceso consiste en la pintura del artista, que está sosteniendo un cepillo o algo similar y metódicamente aplicado a la superficie de frotis de citología. Cómo capturar la esencia del movimiento en el lienzo, que en última instancia permanece estático? Pollock decisión fue verdaderamente un genio: se negó a utilizar pinceles y el lienzo estirado en el suelo. Por lo general, un movimiento preciso de la mano y los dedos artista hizo el barrido: se pulveriza, regado y la pintura del metal en el lienzo. El resultado fue un patrón de color, que, a pesar de su caótica, tenía una extraña belleza y la integridad.
Los críticos elogiaron los logros revolucionarios de resumen, señalando que esta área no ha subido por encima de ningún artista occidental. Pero si se pasa por alto algo importante? Al final de la vida de Leonardo empezó a experimentar con el arte, privados de imágenes familiares.
Estar deprimido debido a los numerosos fallos, problemas de salud y otros problemas, Leonardo comenzó a pensar en lo que ocurrirá cuando se acabe el mundo. Comenzó una serie de dibujos a tinta apocalípticas, que representa la gran inundación, lavando todo el mal que, según Leonardo, está inextricablemente ligada a la humanidad.
En estos fantásticos dibujos de Leonardo difumina la línea entre los objetos y el terreno. Paredes que caen agua, inundó el mundo en estas cifras son notablemente similares a "Ritmo de otoño (Número 30)" Pollock. Por otra parte, Leonardo aconseja otros artistas que lanza una esponja empapada en pintura en la pared, anticipando el camino Pollock.


Jackson Pollock, "Ritmo de otoño (Número 30)"; Leonardo da Vinci, "La inundación» Blog Leonardo fue detrás de un gran número de obras inacabadas. En el arte hay muchas hipótesis plausibles sobre los hábitos extraños. Una de estas especulaciones no podría haber imaginado antes del advenimiento del arte moderno. Si el trabajo no se ha completado en el lienzo, el espectador puede inventar con la ayuda de su imaginación.
Se puede explicarse en parte por el carácter incompleto de los dos cuadros es muy fuerte, "Adoración de los Reyes" (1481) y "San Jerónimo" (1481). Ninguno de los pintores occidentales a las obras de Cézanne Paul en 1890 y Henri Matisse en el año 1900, sobre todo, no deja en las áreas en blanco, sin pintura de la lona con la intención de que el espectador se llena en estos fragmentos.

Leonardo da Vinci de "San Jerónimo» Blog Al traer técnica de sfumato al extremo, Leonardo comenzó a difuminar los contornos de las figuras, incluso el sutil desdibujando los límites entre las figuras y el fondo circundante. A medida que el trabajo en la pintura se estaba volviendo tan claro dónde termina uno y empieza otro. Antes de él, los artistas preparados inicialmente composición de la imagen, que resume la forma, y ​​luego pintadas sobre su color.
Esto permitió a los pintores para ver el cuadro como una escena llena de modelos de cifras alineadas a lo largo de las líneas de perspectiva. Leonardo abandonó esta tecnología, y gracias a la hábil desdibujando los límites entre el primer plano y el fondo de su cuadro es más realista y, al mismo tiempo misteriosa, que los hace únicos.
Se introduce en su principio de pintura que antes se consideraba un signo de mala calidad. Este principio de incertidumbre artística Leonardo comenzó a utilizar en un momento en que otros artistas realizaron el punto de vista opuesto - no dejar nada a la imaginación y cuidadosamente anotar cada detalle
. En su tratado sobre la pintura de Leonardo escribió que el contorno de una forma que no es parte de el cuerpo o el espacio a su alrededor. A pesar de esta observación, los artistas y el público se les aseguró que los contornos deben designar frontera. Почти 500 лет спустя Генри Мур понял, что отчетливая граница между массой объекта и окружающим его пространством — иллюзия.

Он выразил эту непростую идею в своих плавных, словно текущих линиях скульптур, как, например, «Внутренние и внешние формы» (1953–1954), где пространство вливается в тело и, наоборот, тело окружает пустое пространство так, что границы между ними размыты. Мур хотел, чтобы зритель воспринял идею слияния пространства с телом. Они влияют друг на друга и наполняют друг друга.

Те немногие физики, кто понимает идеи Эйнштейна, могли бы прийти к аналогичному выводу. Леонардо постиг этот принцип на пол тысячелетия раньше. Леонардо был художником, любящим парадоксы. Он писал книги загадок и декламировал парадоксальные стихи при дворе.

Валуны, образующие потолок пещеры на картине «Мадонна в скалах», удивительным образом напоминают камни, парящие в небе, на картинах Рене Магритта. Еще один пример парадокса, которым Магритт мог бы искренне восхищаться, — это загадочная битва двух всадников на заднем плане «Поклонения волхвов».

В 1915 году психолог Эдгар Рубин представил публике свою знаменитую оптическую иллюзию: фигуру, которая кажется то вазой, то двумя лицами в профиль. Его интересовало, как зрительная система человека отделяет фигуру от фона. Когда Рубин просил испытуемых сконцентрироваться на лицах, они не видели вазы.

Когда их просили увидеть вазу, лица таинственным образом исчезали. Эта иллюзия так действует почти у всех, и только очень немногие могли видеть и лицо, и вазу одновременно. Работы Рубина, посвященные зрительному восприятию, сильно повлияли на художников и на публику.

Испанский художник Сальвадор Дали воплотил идею, научно выраженную Рубином, в произведении изобразительного искусства. В картине «Рынок рабов с исчезающим бюстом Вольтера» (1940) женщина на переднем плане наблюдает за происходящим на невольничьем рынке, где люди общаются на фоне арочного проема.

Две одетые в черно-белые рясы монашки образуют лицо (глаза, скулы, подбородок и шею) французского философа Вольтера, как он был изображен на бюсте Жана-Антуана Гудона в 1781 году. Арка — верхнюю часть головы Вольтера. Дали создал очень хитроумный вариант вазы Рубина. Можно видеть либо лицо Вольтера, либо двух монашек под аркой, но не то и другое одновременно.
В искусстве, предшествующем современному, Леонардо был единственным художником, увлекавшимся игрой с оптическими иллюзиями, — больше ни у кого мы не найдем никаких обманок такого типа, или тромплеев (от фр. trompe l’oeil, «обман зрения»). Лео Штейнберг в книге «Вечная Тайная вечеря Леонардо» заметил, что Леонардо написал на стенах элементы лепнины в той же манере, что и зрительная иллюзия Рубина. Они похожи на известный куб Неккера, и их также можно рассматривать двумя разными способами. Обе версии оптически правильны, но их нельзя увидеть одновременно.

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