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Artes, en caso de no tomar en cuenta el realista, siempre ha sido, es y será extraño. Pero alguna otra imagen del país.
Hay obras de arte que parecen golpear a la audiencia sobre la cabeza, y osharashivaya increíble. Otros arrastrados a la meditación y la búsqueda de capas semánticas, símbolos secretos. Algunas pinturas están cubiertas de misterios y enigmas místicos, y otra sorpresa precio exorbitante.
Sitio web cuidadosamente revisado todos los principales logros en el mundo de la pintura y eligió de ellos dos docenas de las imágenes más extrañas. Deliberadamente no hemos incluido en esta colección de Salvador Dalí, cuya obra es totalmente caen bajo el formato del material, y el primero que vienen a la mente.
Se entiende que la "extrañeza" - una cada vez subjetiva y tiene sus sorprendentes imágenes, eliminado de la serie de otras obras de arte. Estaremos encantados si comparte en los comentarios y les dices un poco.
"Scream»
«Scream" es considerado como un expresionismo acontecimiento histórico y una de las pinturas más famosas del mundo.
Hay dos interpretaciones de la imagen: es el héroe a sí mismo envuelto en horror y llora en silencio, presionando sus manos a los oídos; o el héroe se tapa los oídos de sonar el grito de todo el mundo y la naturaleza. Munch pintó cuatro versiones de "Scream", y hay una versión que esta imagen - el fruto de la psicosis maníaco-depresiva, que afecta a la artista. Después del tratamiento en la clínica de Munch no volvió a trabajar en la web.
"Yo estaba caminando por un sendero con dos amigos. El sol se ponía - de repente el cielo se volvió rojo como la sangre me detuve, sintiendo el cansancio, y me apoyé en la valla - Miré a la sangre y lenguas de fuego sobre el fiordo negro azulado y la ciudad. Mis amigos caminando, y me quedé allí temblando de ansiedad, sintiendo un grito infinito perforando la naturaleza "- Edvard Munch dijo acerca de la historia de la pintura
.
"¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos? »
En la dirección de la pintura de Gauguin para ser leído de derecha a izquierda -. Los tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título
Tres mujeres y un niño representan el comienzo de la vida; Promedio Grupo existencia diaria simboliza la madurez; en el grupo final, según el artista, "una mujer mayor proximidad de la muerte aparece reconcilió y dedicó sus reflexiones" a sus pies "extraño pájaro blanco ... representa la inutilidad de las palabras».
Profundamente imagen filosófica postimpresionista Paul Gauguin fue escrito por él a Tahití, donde había huido de París. Una vez finalizado el trabajo, incluso quería suicidarse, "Yo creo que esta tela sobrepasa todo mi anterior y nunca voy a crear algo mejor o similar." Vivió cinco años más, por lo que pasó.
«Guernica»
"Guernica" es la escena de la muerte, la violencia, la brutalidad, el sufrimiento y la impotencia, sin especificar sus causas inmediatas, pero son evidentes. La historia cuenta que en 1940, Pablo Picasso fue convocado a la Gestapo en París. Sólo se produjo la imagen. "Lo hiciste?" - "No, lo hicisteis»
.
Una enorme pintura al fresco "Guernica", escrito por Picasso en 1937, cuenta la historia de las unidades de voluntarios de la incursión de la Luftwaffe en la ciudad de Guernica, en el que 6000a la ciudad fue completamente destruida. La imagen fue escrito sólo un mes - el primer día de trabajo en una pintura de Picasso trabajaron durante 10-12 horas, y ya en el primer esbozo se podía ver la idea principal. Esta es una de las mejores ilustraciones de la pesadilla del fascismo, así como la crueldad humana y la pena.
"Retrato de Arnolfini»
El famoso cuadro del todo lleno de símbolos, alegorías y varias referencias - hasta la firma de Jan van Eyck estuvo aquí ", convirtió la pintura no es sólo una obra de arte, y el documento histórico, lo que confirma la realidad del evento, que contó con la presencia del artista
.
Retrato de Giovanni di Nicolao supuestamente Arnolfini y su esposa es una de las obras más difíciles de la escuela de la pintura occidental del Renacimiento del Norte.
En Rusia en los últimos años el panorama ha ganado gran popularidad debido a la semejanza retrato Arnolfini con Putin.
"Sentados Demonio»
Pintura Mikhail Vrubel sorprendente forma en que el demonio. Su cara triste no se ve como una idea universal, que debe ser similar a un espíritu maligno.
Esta es una imagen de la fuerza del espíritu humano, lucha interior, sin duda. Trágicamente las manos entrelazadas, Demonio se encuentra rodeada de flores, con los ojos mirando en la distancia. La composición enfatiza la estanqueidad de su figura, como si intercalada entre las vigas superior e inferior del marco.
El artista habló de su pintura más famosa, "El demonio - un espíritu no tanto el mal como el sufrimiento y triste, con todo el espíritu de este poderoso, majestuoso."
"La apoteosis de la guerra»
La metáfora de la guerra en la película dada al autor con tanta exactitud y profundamente que cada cráneo tumbado en la pila, se empieza a ver a la gente, su destino y el destino de los que estas personas nunca verán. Vereshchagin mismo sarcásticamente llamado la pintura "Still Life" - que muestra una "naturaleza muerta". Todos los detalles de la imagen, incluyendo el color amarillo, que simboliza la muerte y devastación. Un cielo azul claro hace hincapié en la falta de vida de la imagen. La idea de "La apoteosis de la guerra" se expresa como espadas y cicatrices de agujeros de bala en el cráneo.
Vereshchagin - uno de los principales pintores de combate rusos, pero llamaron la guerra y la batalla, no porque veía en ellos la belleza y la grandeza. Por el contrario, el artista estaba tratando de transmitir a la gente su actitud negativa a la guerra.
Una vez Vereshchagin en el calor de la emoción, dijo: "La mayoría de las pinturas de batalla no va a escribir - basta! Estoy muy cerca de mi corazón aceptar el hecho de que yo escribo, vyplakivayu (literalmente) el monte cada heridos y muertos ". Tal vez el resultado de esta exclamación era una pintura terrible y fascinante "La apoteosis de la guerra».
"American Gothic»
Grant Wood. 1930 aceite. 74 × 62 cm.
Pintar una imagen sombría de los padre e hija todos los detalles que indican la gravedad del puritanismo y misoneísmo imágenes de personas. Rostros enojados, tenedores en el medio de la pintura, pasado de moda, incluso para los estándares de 1930 la ropa, ropa de costuras en el agricultor, la misma forma de la tenedor, como símbolo de la amenaza que se dirige a todos aquellos que invade. La web está llena de detalles sombríos que hacen estremecer de neuyuta.
"American Gothic" - una de las imágenes más reconocibles en el arte americano del siglo XX, famoso arte meme XX y XXI siglos
.
Curiosamente, los jueces de la competencia en el Art Institute de Chicago aprehendidos "Gothic" como "un día de San Valentín humorística" y los residentes de Iowa terriblemente ofendidos por la madera por lo que les retrata como una luz desagradable.
"Los amantes»
Pintura "Amantes" ("Amantes") existe en dos versiones. A un hombre de la lona y de la mujer, cuya cabeza liado en tela blanca, los besos y el otro - "mira" al espectador. Sorpresas de imagen y fascina.
Dos figuras sin rostro Magritte transmitir la ceguera del amor. Acerca de ceguera en todos los sentidos: en el amor no se puede ver, no ver a sus personas reales y nosotros, y además, los amantes - un misterio, incluso entre sí. Pero esta aparente claridad, todavía va a seguir investigando a los amantes magrittovskih y pensar en ellos.
Casi todas las pinturas de Magritte - un rompecabezas que es completamente imposible de desentrañar, ya que plantean preguntas sobre la esencia del ser. Magritte habla siempre de las apariencias engañosas, su misterio escondido, que por lo general no se dio cuenta.
"Walk»
"Walk" - un autorretrato con su esposa Bella. Su favorito se cierne en el cielo y mirar para llevarse en vuelo y Chagall, de pie sobre un terreno inestable, aunque sólo tocar sus dedos de los pies zapatos. En el otro lado Chagall pájaro - él es feliz, también tiene pájaro en mano (probablemente sus cuadros) y dos en el arbusto
.
Por lo general, muy serio en su pintura Marc Chagall escribió un manifiesto deliciosa de su propia felicidad, llena de alegorías y amor.
"Jardín de las Delicias»
"Jardín de las Delicias" - el más famoso tríptico de El Bosco, debe su nombre a la parte central de la asignatura se dedica al pecado de la lujuria
.
La pintura está llena de formas fantásticas, estructuras, imágenes de monstruos, como alucinaciones ganaron su carne -. Todo lo que se puede llamar el infierno caricaturas de la realidad, a la que el autor se ve inquisitivamente, mirada muy aguda
Algunos estudiosos han querido ver en la imagen del tríptico de la vida humana a través del prisma de la vanidad del amor terrenal, otros - una celebración de la sensualidad. Sin embargo, la simplicidad y un cierto distanciamiento, que interpreta las cifras individuales de la pintura, así como la actitud favorable a este trabajo las autoridades de la Iglesia asegurarse de que su contenido podría ser la glorificación de los placeres corporales.
Hasta la fecha, ninguna de las interpretaciones existentes de las pinturas no se consideran la única verdadera.
"Tres mujeres en edad»
Esta obra de Klimt, al mismo tiempo transmite una sensación de alegría y tristeza. Fue escrito por tres figuras de la historia de la vida de una mujer:. Descuido, la paz y la desesperación
Imagen femenina joven teje orgánicamente en el patrón de la vida, la imagen de una anciana se destaca de ella. El contraste entre la imagen estilizada de una mujer joven y de una manera naturalista anciana adquiere un significado simbólico: la primera fase de la vida trae consigo un sinfín de posibilidades y la metamorfosis, el último - la permanencia y el conflicto con la realidad
.
La tela no te suelta, que se mete en el alma y nos hace pensar en la profundidad del mensaje del artista, así como la profundidad y la inevitabilidad de la vida.
"Familia»
Schiele fue discípulo de Klimt, pero, como todo buen estudiante, no copió su maestro y estaba buscando una nueva. Schiele de mucho más trágica, extraño y aterrador que Gustav Klimt. En sus obras, mucho de lo que se podría llamar la pornografía, diversas perversiones, el naturalismo y al mismo desesperación persistente.
"Familia" - su último trabajo, que trajo la desesperación a la absoluta, a pesar de que es el menos extraño mirando su foto. El artista la pintó antes de su muerte, 28 años después de que el español desde la muerte de su esposa embarazada Edith. En el lienzo representa el propio autor, su esposa y su hijo nunca nacido.
"Dos Frida»
Historia de la difícil vida de la artista mexicana Frida Kahlo se hizo ampliamente conocida después de la película "Frida", con Salma Hayek en el papel protagonista. Kahlo pintó principalmente autorretratos, y explica de manera simple: "Me dirijo a mí mismo porque me paso mucho tiempo sola y porque soy el tema que conocen mejor»
.
Ni un solo autorretrato de Frida Kahlo sonríe: graves, incluso la cara triste, cejas tupidas crecen juntos, bigote débil en los labios apretados. Las ideas de la artista se cifran en detalles, fondo, figuras que aparecen junto a la imagen del autor en los lienzos. Símbolos Kahlo se basa en las tradiciones nacionales y está estrechamente relacionada con la mitología india del periodo prehispánico.
En uno de sus mejores pinturas, "Dos Frida", expresó varón y mujer, unidos en su sistema circulatorio individual y demostrar su integridad.
"El puente de Waterloo. Efecto de la niebla »
Al considerar la imagen de cerca el espectador ve nada más que la web, lo que provocó frecuentes manchas aceitosas de espesor. La magia obras se revela cuando empezamos a mover poco a poco de la web a una distancia mayor.
En primer lugar delante de nosotros parecer extraño semicírculo que pasa por el centro de la imagen, y luego vemos un esquema claro de los barcos, pero si nos movemos alrededor de dos metros, a continuación, nos levantaremos y construir una cadena lógica que une todo el trabajo.
"Número 5, 1948»
La extrañeza de esta imagen es que el tejido de la líder estadounidense del expresionismo abstracto, que pintó, verter pintura en la descomposición en el suelo un trozo de cartón de fibra - la pintura más cara del mundo. En 2006 en Sotheby pagado $ 140 millones. David Giffen, un productor de cine y coleccionista, lo vendió al financista mexicano David Martínez.
"Sigo a alejarse de las herramientas habituales de la artista, como el caballete, paleta y pincel. Prefiero palos, palas, cuchillos y verter pintura o pintura mezcla de arena, vidrio roto, o algo más. Cuando estoy pintando el interior, no me di cuenta lo que estaba haciendo. Entendimiento viene después. No tengo miedo al cambio o la destrucción de la imagen, ya que la imagen que viven su propia vida. Acabo de ayudarla a salir. Pero si pierdo contacto con la pintura, se convierte la suciedad y el desorden. Si no es así, entonces es pura armonía, a aliviar la forma de tomar y le das ».
"Un hombre y una mujer delante de un montón de excrementos»
Buen nombre. ¿Y quién iba a pensar que esta obra nos habla de los horrores de la guerra civil.
La pintura fue hecha en una hoja de cobre para la semana entre el 15 y el 22 de octubre 1935. Según Miró, es el resultado de los intentos de retratar la tragedia de la Guerra Civil Española, la pintura de la época de preocupación. En el lienzo representa la figura del hombre y la mujer se extiende a los brazos del otro, pero no se mueve. El aumento de los órganos sexuales y colores ominosos fueron descritos por el autor como "lleno de asco y repugnancia de la sexualidad».
"La erosión»
Neosyurrealist polaco conocido mundialmente por sus increíbles pinturas, que combinan la realidad, creando nuevos. Es difícil considerar que es muy detallada y el trabajo un tanto conmovedora en uno, pero es el tamaño de nuestro material. Recomendamos leer más.
"Las manos se oponen a ella»
Este trabajo, por supuesto, no se puede contar entre las obras maestras del arte mundial, pero eso es extraño - es un hecho
.
Alrededor de la imagen con el muñeco y palmas presionado contra el vidrio, es legendaria. De "a causa de este dado foto" a "sus hijos con vida." Parece imagen realmente da miedo que crea en las personas con mentalidad débil muchos miedos y fantasías.
El artista también insistió en que la pintura representa a sí mismo a la edad de cinco años, la puerta - vista de la línea divisoria entre el mundo real y el mundo de los sueños, y una muñeca - una guía que será capaz de mantener al niño a través de este mundo. Las manos son la alternativa de la vida o la capacidad.
Pintura saltó a la fama en febrero de 2000, cuando fue puesto a la venta en eBay con una historia que dice que la pintura - "Haunted". "Las manos se oponen a él" compró por 1025 dólares, Kim Smith, que luego fue simplemente inundado con cartas de las historias de terror y los requisitos del patrón de quemadura.
a través de # image8811860
Hay obras de arte que parecen golpear a la audiencia sobre la cabeza, y osharashivaya increíble. Otros arrastrados a la meditación y la búsqueda de capas semánticas, símbolos secretos. Algunas pinturas están cubiertas de misterios y enigmas místicos, y otra sorpresa precio exorbitante.
Sitio web cuidadosamente revisado todos los principales logros en el mundo de la pintura y eligió de ellos dos docenas de las imágenes más extrañas. Deliberadamente no hemos incluido en esta colección de Salvador Dalí, cuya obra es totalmente caen bajo el formato del material, y el primero que vienen a la mente.
Se entiende que la "extrañeza" - una cada vez subjetiva y tiene sus sorprendentes imágenes, eliminado de la serie de otras obras de arte. Estaremos encantados si comparte en los comentarios y les dices un poco.
"Scream»
«Scream" es considerado como un expresionismo acontecimiento histórico y una de las pinturas más famosas del mundo.
Hay dos interpretaciones de la imagen: es el héroe a sí mismo envuelto en horror y llora en silencio, presionando sus manos a los oídos; o el héroe se tapa los oídos de sonar el grito de todo el mundo y la naturaleza. Munch pintó cuatro versiones de "Scream", y hay una versión que esta imagen - el fruto de la psicosis maníaco-depresiva, que afecta a la artista. Después del tratamiento en la clínica de Munch no volvió a trabajar en la web.
"Yo estaba caminando por un sendero con dos amigos. El sol se ponía - de repente el cielo se volvió rojo como la sangre me detuve, sintiendo el cansancio, y me apoyé en la valla - Miré a la sangre y lenguas de fuego sobre el fiordo negro azulado y la ciudad. Mis amigos caminando, y me quedé allí temblando de ansiedad, sintiendo un grito infinito perforando la naturaleza "- Edvard Munch dijo acerca de la historia de la pintura
.
"¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿A dónde vamos? »
En la dirección de la pintura de Gauguin para ser leído de derecha a izquierda -. Los tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título
Tres mujeres y un niño representan el comienzo de la vida; Promedio Grupo existencia diaria simboliza la madurez; en el grupo final, según el artista, "una mujer mayor proximidad de la muerte aparece reconcilió y dedicó sus reflexiones" a sus pies "extraño pájaro blanco ... representa la inutilidad de las palabras».
Profundamente imagen filosófica postimpresionista Paul Gauguin fue escrito por él a Tahití, donde había huido de París. Una vez finalizado el trabajo, incluso quería suicidarse, "Yo creo que esta tela sobrepasa todo mi anterior y nunca voy a crear algo mejor o similar." Vivió cinco años más, por lo que pasó.
«Guernica»
"Guernica" es la escena de la muerte, la violencia, la brutalidad, el sufrimiento y la impotencia, sin especificar sus causas inmediatas, pero son evidentes. La historia cuenta que en 1940, Pablo Picasso fue convocado a la Gestapo en París. Sólo se produjo la imagen. "Lo hiciste?" - "No, lo hicisteis»
.
Una enorme pintura al fresco "Guernica", escrito por Picasso en 1937, cuenta la historia de las unidades de voluntarios de la incursión de la Luftwaffe en la ciudad de Guernica, en el que 6000a la ciudad fue completamente destruida. La imagen fue escrito sólo un mes - el primer día de trabajo en una pintura de Picasso trabajaron durante 10-12 horas, y ya en el primer esbozo se podía ver la idea principal. Esta es una de las mejores ilustraciones de la pesadilla del fascismo, así como la crueldad humana y la pena.
"Retrato de Arnolfini»
El famoso cuadro del todo lleno de símbolos, alegorías y varias referencias - hasta la firma de Jan van Eyck estuvo aquí ", convirtió la pintura no es sólo una obra de arte, y el documento histórico, lo que confirma la realidad del evento, que contó con la presencia del artista
.
Retrato de Giovanni di Nicolao supuestamente Arnolfini y su esposa es una de las obras más difíciles de la escuela de la pintura occidental del Renacimiento del Norte.
En Rusia en los últimos años el panorama ha ganado gran popularidad debido a la semejanza retrato Arnolfini con Putin.
"Sentados Demonio»
Pintura Mikhail Vrubel sorprendente forma en que el demonio. Su cara triste no se ve como una idea universal, que debe ser similar a un espíritu maligno.
Esta es una imagen de la fuerza del espíritu humano, lucha interior, sin duda. Trágicamente las manos entrelazadas, Demonio se encuentra rodeada de flores, con los ojos mirando en la distancia. La composición enfatiza la estanqueidad de su figura, como si intercalada entre las vigas superior e inferior del marco.
El artista habló de su pintura más famosa, "El demonio - un espíritu no tanto el mal como el sufrimiento y triste, con todo el espíritu de este poderoso, majestuoso."
"La apoteosis de la guerra»
La metáfora de la guerra en la película dada al autor con tanta exactitud y profundamente que cada cráneo tumbado en la pila, se empieza a ver a la gente, su destino y el destino de los que estas personas nunca verán. Vereshchagin mismo sarcásticamente llamado la pintura "Still Life" - que muestra una "naturaleza muerta". Todos los detalles de la imagen, incluyendo el color amarillo, que simboliza la muerte y devastación. Un cielo azul claro hace hincapié en la falta de vida de la imagen. La idea de "La apoteosis de la guerra" se expresa como espadas y cicatrices de agujeros de bala en el cráneo.
Vereshchagin - uno de los principales pintores de combate rusos, pero llamaron la guerra y la batalla, no porque veía en ellos la belleza y la grandeza. Por el contrario, el artista estaba tratando de transmitir a la gente su actitud negativa a la guerra.
Una vez Vereshchagin en el calor de la emoción, dijo: "La mayoría de las pinturas de batalla no va a escribir - basta! Estoy muy cerca de mi corazón aceptar el hecho de que yo escribo, vyplakivayu (literalmente) el monte cada heridos y muertos ". Tal vez el resultado de esta exclamación era una pintura terrible y fascinante "La apoteosis de la guerra».
"American Gothic»
Grant Wood. 1930 aceite. 74 × 62 cm.
Pintar una imagen sombría de los padre e hija todos los detalles que indican la gravedad del puritanismo y misoneísmo imágenes de personas. Rostros enojados, tenedores en el medio de la pintura, pasado de moda, incluso para los estándares de 1930 la ropa, ropa de costuras en el agricultor, la misma forma de la tenedor, como símbolo de la amenaza que se dirige a todos aquellos que invade. La web está llena de detalles sombríos que hacen estremecer de neuyuta.
"American Gothic" - una de las imágenes más reconocibles en el arte americano del siglo XX, famoso arte meme XX y XXI siglos
.
Curiosamente, los jueces de la competencia en el Art Institute de Chicago aprehendidos "Gothic" como "un día de San Valentín humorística" y los residentes de Iowa terriblemente ofendidos por la madera por lo que les retrata como una luz desagradable.
"Los amantes»
Pintura "Amantes" ("Amantes") existe en dos versiones. A un hombre de la lona y de la mujer, cuya cabeza liado en tela blanca, los besos y el otro - "mira" al espectador. Sorpresas de imagen y fascina.
Dos figuras sin rostro Magritte transmitir la ceguera del amor. Acerca de ceguera en todos los sentidos: en el amor no se puede ver, no ver a sus personas reales y nosotros, y además, los amantes - un misterio, incluso entre sí. Pero esta aparente claridad, todavía va a seguir investigando a los amantes magrittovskih y pensar en ellos.
Casi todas las pinturas de Magritte - un rompecabezas que es completamente imposible de desentrañar, ya que plantean preguntas sobre la esencia del ser. Magritte habla siempre de las apariencias engañosas, su misterio escondido, que por lo general no se dio cuenta.
"Walk»
"Walk" - un autorretrato con su esposa Bella. Su favorito se cierne en el cielo y mirar para llevarse en vuelo y Chagall, de pie sobre un terreno inestable, aunque sólo tocar sus dedos de los pies zapatos. En el otro lado Chagall pájaro - él es feliz, también tiene pájaro en mano (probablemente sus cuadros) y dos en el arbusto
.
Por lo general, muy serio en su pintura Marc Chagall escribió un manifiesto deliciosa de su propia felicidad, llena de alegorías y amor.
"Jardín de las Delicias»
"Jardín de las Delicias" - el más famoso tríptico de El Bosco, debe su nombre a la parte central de la asignatura se dedica al pecado de la lujuria
.
La pintura está llena de formas fantásticas, estructuras, imágenes de monstruos, como alucinaciones ganaron su carne -. Todo lo que se puede llamar el infierno caricaturas de la realidad, a la que el autor se ve inquisitivamente, mirada muy aguda
Algunos estudiosos han querido ver en la imagen del tríptico de la vida humana a través del prisma de la vanidad del amor terrenal, otros - una celebración de la sensualidad. Sin embargo, la simplicidad y un cierto distanciamiento, que interpreta las cifras individuales de la pintura, así como la actitud favorable a este trabajo las autoridades de la Iglesia asegurarse de que su contenido podría ser la glorificación de los placeres corporales.
Hasta la fecha, ninguna de las interpretaciones existentes de las pinturas no se consideran la única verdadera.
"Tres mujeres en edad»
Esta obra de Klimt, al mismo tiempo transmite una sensación de alegría y tristeza. Fue escrito por tres figuras de la historia de la vida de una mujer:. Descuido, la paz y la desesperación
Imagen femenina joven teje orgánicamente en el patrón de la vida, la imagen de una anciana se destaca de ella. El contraste entre la imagen estilizada de una mujer joven y de una manera naturalista anciana adquiere un significado simbólico: la primera fase de la vida trae consigo un sinfín de posibilidades y la metamorfosis, el último - la permanencia y el conflicto con la realidad
.
La tela no te suelta, que se mete en el alma y nos hace pensar en la profundidad del mensaje del artista, así como la profundidad y la inevitabilidad de la vida.
"Familia»
Schiele fue discípulo de Klimt, pero, como todo buen estudiante, no copió su maestro y estaba buscando una nueva. Schiele de mucho más trágica, extraño y aterrador que Gustav Klimt. En sus obras, mucho de lo que se podría llamar la pornografía, diversas perversiones, el naturalismo y al mismo desesperación persistente.
"Familia" - su último trabajo, que trajo la desesperación a la absoluta, a pesar de que es el menos extraño mirando su foto. El artista la pintó antes de su muerte, 28 años después de que el español desde la muerte de su esposa embarazada Edith. En el lienzo representa el propio autor, su esposa y su hijo nunca nacido.
"Dos Frida»
Historia de la difícil vida de la artista mexicana Frida Kahlo se hizo ampliamente conocida después de la película "Frida", con Salma Hayek en el papel protagonista. Kahlo pintó principalmente autorretratos, y explica de manera simple: "Me dirijo a mí mismo porque me paso mucho tiempo sola y porque soy el tema que conocen mejor»
.
Ni un solo autorretrato de Frida Kahlo sonríe: graves, incluso la cara triste, cejas tupidas crecen juntos, bigote débil en los labios apretados. Las ideas de la artista se cifran en detalles, fondo, figuras que aparecen junto a la imagen del autor en los lienzos. Símbolos Kahlo se basa en las tradiciones nacionales y está estrechamente relacionada con la mitología india del periodo prehispánico.
En uno de sus mejores pinturas, "Dos Frida", expresó varón y mujer, unidos en su sistema circulatorio individual y demostrar su integridad.
"El puente de Waterloo. Efecto de la niebla »
Al considerar la imagen de cerca el espectador ve nada más que la web, lo que provocó frecuentes manchas aceitosas de espesor. La magia obras se revela cuando empezamos a mover poco a poco de la web a una distancia mayor.
En primer lugar delante de nosotros parecer extraño semicírculo que pasa por el centro de la imagen, y luego vemos un esquema claro de los barcos, pero si nos movemos alrededor de dos metros, a continuación, nos levantaremos y construir una cadena lógica que une todo el trabajo.
"Número 5, 1948»
La extrañeza de esta imagen es que el tejido de la líder estadounidense del expresionismo abstracto, que pintó, verter pintura en la descomposición en el suelo un trozo de cartón de fibra - la pintura más cara del mundo. En 2006 en Sotheby pagado $ 140 millones. David Giffen, un productor de cine y coleccionista, lo vendió al financista mexicano David Martínez.
"Sigo a alejarse de las herramientas habituales de la artista, como el caballete, paleta y pincel. Prefiero palos, palas, cuchillos y verter pintura o pintura mezcla de arena, vidrio roto, o algo más. Cuando estoy pintando el interior, no me di cuenta lo que estaba haciendo. Entendimiento viene después. No tengo miedo al cambio o la destrucción de la imagen, ya que la imagen que viven su propia vida. Acabo de ayudarla a salir. Pero si pierdo contacto con la pintura, se convierte la suciedad y el desorden. Si no es así, entonces es pura armonía, a aliviar la forma de tomar y le das ».
"Un hombre y una mujer delante de un montón de excrementos»
Buen nombre. ¿Y quién iba a pensar que esta obra nos habla de los horrores de la guerra civil.
La pintura fue hecha en una hoja de cobre para la semana entre el 15 y el 22 de octubre 1935. Según Miró, es el resultado de los intentos de retratar la tragedia de la Guerra Civil Española, la pintura de la época de preocupación. En el lienzo representa la figura del hombre y la mujer se extiende a los brazos del otro, pero no se mueve. El aumento de los órganos sexuales y colores ominosos fueron descritos por el autor como "lleno de asco y repugnancia de la sexualidad».
"La erosión»
Neosyurrealist polaco conocido mundialmente por sus increíbles pinturas, que combinan la realidad, creando nuevos. Es difícil considerar que es muy detallada y el trabajo un tanto conmovedora en uno, pero es el tamaño de nuestro material. Recomendamos leer más.
"Las manos se oponen a ella»
Este trabajo, por supuesto, no se puede contar entre las obras maestras del arte mundial, pero eso es extraño - es un hecho
.
Alrededor de la imagen con el muñeco y palmas presionado contra el vidrio, es legendaria. De "a causa de este dado foto" a "sus hijos con vida." Parece imagen realmente da miedo que crea en las personas con mentalidad débil muchos miedos y fantasías.
El artista también insistió en que la pintura representa a sí mismo a la edad de cinco años, la puerta - vista de la línea divisoria entre el mundo real y el mundo de los sueños, y una muñeca - una guía que será capaz de mantener al niño a través de este mundo. Las manos son la alternativa de la vida o la capacidad.
Pintura saltó a la fama en febrero de 2000, cuando fue puesto a la venta en eBay con una historia que dice que la pintura - "Haunted". "Las manos se oponen a él" compró por 1025 dólares, Kim Smith, que luego fue simplemente inundado con cartas de las historias de terror y los requisitos del patrón de quemadura.
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